사이클링은, 얻을 수 없는 새로운 통로나 빠른 통로 등에게는 최고의 기술 구축 순서입니다. 사이클링(‘루프’라고도 불린다)이란 세그먼트(segment)를 꺼내 반복 재생하는 것입니다. 통상은 휴식 없이 계속됩니다. 사이클링에 계속적으로 필요한 결합이 세그먼트의 첫 음과 같은 경우 이 세그먼트는 자연스럽게 사이클링 합니다. 이것은, 셀프 사이클링 세그먼트라고 불립니다. 예를 들어 CGEG 사 중 항입니다. 접속사가 다를 경우에는 다음을 일으킬 수 있는 것을 발명해야 합니다. 첫 번째 소리를 들으니까 끊김 없이 사이클 할 수 있습니다. 사이클링은 기본적으로 순수한 반복이지만 대부분 반복 방지책으로 마인드리스 반복을 피하기 위해 사용하는 것이 중요합니다. 사이클의 배경에 있는 아이디어는 너무 빨리 기술을 익힘으로써 불필요한 무의식 반복을 배제하는 것입니다. 나쁜 습관을 몸에 익히는 것을 피하기 위해 최적의 놀이를 하기 위해 속도를 바꾸고 손, 팔, 손가락의 위치를 바꿔 실험하며 항상 긴장을 풀기 위해 일한다. 같은 일을 몇 번이고 되풀이하지 말자. 테크닉에 도달할 때까지 조용히 (큰 섹션에서도) 플레이하고, 최종 속도를 20% 이상, 가능하면 최종 속도를 2배 이상으로 합니다. 사이클링 시간의 90% 이상이 쾌적하고 정확하게 처리할 수 있는 속도여야 합니다. 그 후, 천천히 사이클 다운을 하고 매우 느린 속도로 합니다. 손을 보지 않고 완전히 릴랙스 하며 풀 컨트롤로 임의의 속도로 장시간 플레이할 수 있는 상태로 완료됩니다. 어떤 중간의 속도가 문제를 일으키고 있다는 것을 알 수 있을지도 모릅니다. HT를 실행할 때 필요한 경우가 있으므로 이 속도를 실행해 주세요. 기술이 달성될 때까지 페달을 밟지 않고 연습한다(키 드롭으로 완전히 발을 디딜 수 없다는 악습을 피하기 위해서도 있다. 다치지 않도록 손을 자주 바꾸다. 어느 기술로 10000회의 반복(정말 어려운 소재의 전형적인 요건)이 필요한 경우, 사이클을 통해 최단시간에 그것을 완료할 수 있습니다. 대표적인 사이클 시간은 약 1초이므로 10,000사이클은 4시간 미만입니다. 이 세그먼트를 10분 동안 반복하면 1일, 주 5일, 10,000사이클은 거의 1개월 걸립니다. 분명히 매우 어려운 교재는 가장 좋은 방법으로 배우는 데 몇 개월이 걸리고, 효율이 나쁜 방법을 쓰면 더 길어질 수 있습니다. 사이클링은 피아노 연습 절차 중 가장 해가 될 수 있으므로 주의하시기 바랍니다. 첫날은 무리하지 말고 다음날 어떻게 되는지 보세요. 다음날 아무것도 아프지 않으면 사이클링 운동을 계속할 수도 늘릴 수도 있습니다. 무엇보다 사이클 때마다 항상 한 번에 2개씩 작업해 주세요. RH와 LH 두 가지씩 작업을 하기 때문에 자주 손을 교체할 수 있습니다. 젊은 사람에게 있어서 사이클링을 너무 많이 하면 통증이 생길 수 있습니다. 이 경우 자전거를 멈추면 2, 3일 안에 손을 회복할 것입니다. 고령자의 경우 과잉 사이클링은 골관절염의 발화를 일으켜 안정될 때까지 몇 개월이 걸릴 수 있습니다. 쇼팽 FI:왼손 알페지오, 바 5에 사이클링을 적용해 보세요. 처음 여섯 음표는 스스로 순환할 것이기 때문에 한 번 해보세요. 처음 시도했을 때는 작은 손으로는 스트레칭이 심해서 금방 지쳐 버렸습니다. 첫 번째 12음을 돌려봤는데요. 두 번째 간단한 여섯 음표는 손을 쉬게 해 주기 때문에 12 음표 부분을 더 빨리 순환시킬 수 있었습니다 물론 만약 정말 속도를 높이고 싶다면(LH에는 필요 없지만 이 작품에서는 RH에 도움이 될지도 모른다) 최초의 병행 세트(LH에는 처음 3개 또는 4개의 음표)만 순환시킵니다. 최초의 세그먼트를 재생해도, 다른 모든 알페지오를 자동적으로 재생할 수 있는 것은 아닙니다. 1옥타브 아래의 같은 음이라도 실질적으로 0부터 시작해야 합니다. 물론 첫 번째 알페지오를 마스터하면 두 번째 알페지오는 간단해지지만 세그먼트에서 작은 변경을 가했을 때 얼마나 많은 작업을 반복할 필요가 있는지 놀랄 수도 있습니다. 이는 체내에 근육이 너무 많기 때문에 뇌가 근육의 집합을 선택해 아주 조금 다른 움직임을 만들어낼 수 있기 때문입니다(통상 그렇게 됩니다). 로봇과 달리 뇌가 어느 근육을 선택할지 선택의 여지는 거의 없습니다. 그런 알페지오를 대량으로 할 때 비로소 다음의 알페지오는 쉽게 찾아옵니다. 따라서 극히 소수의 알페지오를 사이클 할 필요가 생길 것으로 예상됩니다. 이 쇼팽의 연주방법을 이해하기 위해서는 이 작곡의 3대 4 타이밍 부분의 수학적 기초를 분석하는 것이 유용하다. RH는 매우 빠르게 재생됩니다. 예를 들면 1초에 4음 정도예요. 동시에 LH는 30초에 3음씩 느린 속도로 연주되고 있습니다. 모든 음이 정확하게 재생되면 이 주파수는 음표 간 최소 시간 간격으로 해당하기 때문에 청중에게는 초당 12 음표에 해당하는 음표 주파수가 들립니다. 즉, 당신의 RH가 전속력으로 연주하고 있다면 LH로 슬 로어 플레이를 추가함으로써 쇼팽은 이 곡을 최고 속력의 3배까지 가속시키는 데 성공했습니다! 하지만 기다려 주세요. 열 두 개의 노트 가다 있는 건 아니에요. 사실은 일곱 개 밖에 없기 때문에 다섯 개의 공책이 빠져 있습니다. 이 음표들은 모아레 무늬라는 것을 만들어 냅니다 모아레 모양은 둘의 어울리지 않는 모양을 겹쳐 놓으면 나타난다 세 번째 무늬입니다 이 패턴은, 각 소절 내에서 파도와 같은 효과를 낳았고, 쇼팽은, 모아레 패턴에 동기 해 파도처럼 부침하는 LH알페지오를 이용해 그 효과를 강화했다. 3의 배율 가속과 모아레 모양은 관객이 무엇을 만들었는지, 혹은 존재조차 모르기 때문에 관객에게 다가가는 묘한 효과다. 모르게 관객에게 영향을 주는 메커니즘은 대부분의 경우 분명한 메커니즘(라우드, 레가토, 루바토 등) 보다 더 극적인 효과를 가져옵니다. 위대한 작곡가들은 이 숨은 메커니즘들을 놀랄 만큼 많이 발명했고 수학적인 분석이 가장 쉽게 풀어집니다 쇼팽은 아마도 어울리지 않는 모어 레 패턴의 관점에서 생각해 본 적은 없었을 것이다. 그는 천재였으므로 직관적으로 이러한 개념을 이해한 것이다. RH의 첫 번째 음표가 빠져 있는 이유(바 5)를 추측하는 것은 유익합니다. 왜냐하면 그 이유를 해독할 수 있으면 정확하게 어떻게 재생하면 좋을지 알 수 있기 때문입니다. 이것은, RH멜로디의 첫머리에서 발생합니다. 선율이나 악구의 첫 번째에서 작곡자는 항상 두 가지 모순된 요구에 부딪힙니다. 하나는 어떤 문구라도 (일반적으로) 잔잔하게 시작해야 하고 다른 하나는 소절의 첫 음표는 다운 비트로 악센트를 줘야 한다는 것입니다. 작곡자는 첫 음을 줄여야 양쪽 요건을 모두 충족할 수 있고 리듬을 유지하면서 조용히 시작할 수 있습니다 (이 경우 소리가 나지 않습니다). 이 장치의 많은 예를 발견하는데 고생할 것은 없을 것이다--바흐의 발명을 참조. 다른 장치는 부분 소절의 끝에 문구를 시동시켜 첫 번째 전 소절의 첫 다운비트가 몇 개의 음표가 연주된 후에 오게 한다(이 전형적인 예가 베토벤의 「어패션」의 제1악장의 시작이다. 즉, 이 쇼팽의 FI 척도에 있어서 RH의 제1음은 제1음보다 부드럽고, 제2음보다 큰 소리로 리듬을 엄밀하게 유지할 필요가 있다는 것이다(리듬의 중요성의 또 다른 예). 우리는 이 방법으로 연주하는 것에 익숙하지 않아요. 보통의 연주는 첫소리를 다운 비트로 시작하는 거예요. 이 경우에는 특히 속도가 빠르기 때문에 어렵기 때문에 이 시작을 하려면 특별한 연습이 필요할 수 있습니다. 제1소절의 커다란 옥타브로 주의를 당부하고, 하층 스태프의 리드미컬한 알페지오가 관객의 마음을 끄는 것으로 시작된다. 바 5의 누락음은 여러 번 반복한 후 복원되며 모아레의 반복 주파수와 효과적인 리듬이 2배가 돼. 제2주제(바 13)에서는 RH가 흐르는 선율이 2개의 찢어진 화음으로 대체되어 리듬이 4배가 된 듯한 느낌을 준다. 이 「리듬 가속」은, 19~20 바의 클라이맥스 포토로 최고조에 이른다. 청중은 디민우엔 두에 의해 PP까지 디민우엔 두에 의해 달성된 지연된 RH멜로디(핑키) 음과 서서히 페이드 하는 리듬의 '소프트화'에 의해 한숨을 돌린다. 이후 사이클 전체가 반복되고 이번에는 절정을 상승시키는 요소가 추가되어 하강하는 코드가 끊어져 버린다. 이 부분을 연습하기 위해서 고장 난 코드를 하나씩 사이클을 할지도 모릅니다. 이 코드에는 3, 4의 구성 요소가 없어 신비로운 3, 4의 세계에서 당신을 끌어내고 슬로 섹션에 대비하고 있습니다. 대부분의 쇼팽 작품처럼 이 곡에는 올바른 템포가 없습니다. 그러나, 1 바당 2초 이상 빠르게 플레이하면, 3 ×4의 곱셈 효과가 사라지는 경향이 있어, 통상은 모아레 등의 이펙트가 남아. 이것은 속도에 따라 정확도가 저하되는 데에도 원인이 있지만, 더 중요한 것은 12배속이 귀에 닿기에는 너무 빨라서 그렇습니다. 약 20Hz를 넘으면, 반복이 인간의 귀에의 소리의 특성을 띠기 시작한다. 따라서 곱하기 장치는 최대 약 20Hz까지밖에 동작하지 않습니다. 그 후, 새로운 효과를 얻을 수 있습니다. 이것은 놀라운 속도보다 더 특수한 효과입니다. 즉, 「래피드 노트」는 「저주파음」으로 바뀝니다. 따라서 20Hz는 음성 경계치의 일종입니다. 이것이 피아노 최저음이 약 27Hz인 A인 이유입니다. 이게 큰 놀라움이에요. 쇼팽이 이 효과를 들었다는 증거가 있어요! 빠른 부분에는 처음 Alle groagitato라는 라벨이 붙어있습니다. 즉, 각 음표는 명료하게 들릴 필요가 있습니다. 메트로놈, Allegro는 12배속인 10~20Hz에 상당하며 곱셈을 듣기에 적합한 주파수로, “소리의 문턱 값” 직하입니다. "Agitato"는 이 주파수가 들릴 것을 보증합니다. Moderato 섹션이 끝난 후에 이 고속 섹션이 되돌아오면 Presto라고 하는 라벨이 붙습니다. 20~40Hz를 지원하므로 음역 경곗값 이하 및 음역 경곗값 이상을 재생해 달라는 지시를 받았습니다. 그 때문에, 쇼팽이 이 소리의 역치에 대해 알고 있던 것을 시사하는 수학적 증거가 있다. 슬로 미들 섹션은 섹션 II.25에서 간단하게 설명되었습니다. 쇼팽의 많은 작품과 마찬가지로, 그것을 기억하는 가장 빠른 방법은, 우선 LH를 암기하는 것이다. 이는 쇼팽이 RH를 새 멜로디로 대체한 경우에도 LH가 주로 반주 코드를 제공하기 때문에 코드 진행이 바뀌지 않는 경우가 많기 때문입니다. 현재 4,3의 타이밍은 2,3의 타이밍보다 훨씬 천천히 재생된다는 점에 주목해 주세요. 음악을 부드럽게 하고, 보다 자유로운 템포의 루바트가 될 수 있도록 하기 위해 다른 효과에 사용되고 있습니다. 제3부는 보다 빠르게 재생되고 그 결과 전혀 다른 효과가 나타나며 결말이 다른 점을 제외하면 제1부와 같다. 이 결말은 작은 손으로는 어렵고 추가 RH사이클링 작업이 필요할 수 있습니다. 이 섹션에서는 RHpinky가 멜로디를 전송하는데, RHpinky가 응답하는 엄지 옥타브 소리가 멜로디 라인을 풍부하게 합니다. 작품은 LH의 느린 움직임의 테마를 그리운 표현으로 끝냅니다. 이 LH멜로디의 최고음(G#-바 7)과 RH가 연주하는 같은 음을 조금 더 길게 잡고 페달로 그것을 유지하는 것으로 명확하게 구분하죠. G#는 이 작품에서 가장 중요한 주기입니다. 이와 같이, 모두의 sfG#옥타브는, 이 곡을 소개하는 팡파르일 뿐만 아니라, 쇼팽이 G#를 청취자의 마음에 묻기 위한 교묘한 방법이기도 하다. 그러니까 이 메모를 서두르지 말고 천천히 가라앉혀 두세요. 이 자료 전체를 보면 G#이 모든 중요한 위치를 차지하고 있습니다. 슬로 섹션에서는 G#은 Ab입니다. 이것은 같은 주기입니다. 이 G#은 위대한 작곡가가 투 바이 포로 관객의 머리를 때리는(G#) 일을 반복하고 있지만 관객은 무엇을 때리는지 모른다는 장치의 하나다. 피아니스트에게 G#에 대한 지식은 곡을 해석하고 암기하는데 도움이 됩니다. 이와 같이, 이 작품의 개념적인 클라이맥스는, 양손이 같은 G#(끝부터 바 8과 바 7)을 연주해야 할 때에 (본래 있어야 할) 마지막에 와 있습니다. 그래서 이 LH-RHG #은 연속적으로 fead 하는 RHG #옥타브를 유지하면서 세심한 주의를 기울여서 실행해야 합니다. 우리의 분석은 이 곡을 얼마나 빨리 연주하느냐 하는 문제에 초점을 맞추고 있어요. 음역을 넘어선 12음 효과와 비인간적으로 정확한 연주를 이끌어내려면 높은 정밀도가 필요합니다. 이 곡을 처음 학습하는 경우에는 정확성이 낮기 때문에 처음에는 12노트의 주파수가 들리지 않을 수 있습니다. 드디어 이해를 하면 음악이 갑자기 비지 소리를 듣습니다. 너무 빨리 연주를 해서 정확함을 잃으면 그 배율은 3배가 돼. 그것은 씻겨나가 청중에게는 4음밖에 들리지 않는다. 초보자는 속도를 떨어뜨리고 정도를 높임으로써 더 빨리 울릴 수 있습니다. RH는 선율을 전하고 있지만, LH는 분명히 들어야 하고, 그렇지 않으면 12음 효과와 모아레 패턴은 사라집니다. 이것은 쇼팽의 작품이므로 12음 효과를 들을 필요가 없다. 이 작곡은 무한한 해석을 따를 수 있어 LH를 억제하고 RH에 집중하며 그래도 마법 같은 것을 만들고 싶은 사람도 있을 것이다. 자전거의 장점은 손놀림이 연속되어 있다는 것입니다. 이것은 고립된 세그먼트를 연습한 경우보다 연속 놀이를 시뮬레이션하고 있는 것입니다. 또 손가락의 위치 같은 작은 변화를 시도해서 최적의 연주 조건을 찾아볼 수도 있어요. 단점은 자전거로 손의 움직임과 곡을 연주하는 데 필요한 움직임이 다르다는 점이에요. 팔은 사이클링 중에 정지하는 경향이 있습니다만, 실제 작품에서는 일반적으로 손은 움직일 필요가 있습니다. 따라서 세그먼트(segment)가 자연적으로 사이클 하지 않을 경우, 사이클을 하지 않고 세그먼트(segment)를 하지 않고 프랙티스를 사용해야 합니다. 비 사이클링의 장점 중 하나는 접속사를 포함할 수 있다는 것입니다.

레거트는 부드러운 플레이다. 이것을 실시하려면 , 연속하는 노트를 접속합니다. 첫 번째 노트는 두 번째 노트가 재생될 때까지 들어 올리지 마세요. 프레이저는 두 개의 메모를 꽤 겹치는 것을 권장합니다. 메모의 첫 순간에는 「소음」이 많이 포함되어 있으므로, 중복되는 메모는 별로 눈에 띄지 않습니다. 레가트는 놀이에 짜넣어야 하는 습관이므로, 오버랩의 양을 바꾸어 실험해 보고, 오버랩이 당신에게 있어서 최고의 레가트가 되는지 시험해 보세요. 그리고 습관이 들 때까지 연습해서, 항상 같은 것을 재현할 수 있도록 이펙트 쇼팽은 레가를 초보자에게 가장 중요한 기술로 여겼습니다. 쇼팽의 음악에는 특별한 종류의 레거트와 스타 카트(Ballade Op.23)가 필요하므로, 그의 음악을 연주할 때는 이러한 요소들에 주의를 기울이는 것이 중요하다. 레가트 연습을 하시려면 쇼팽을 치세요. 레가 트에는 기본적인 키 스트로크가 필수적입니다. 스타 카트에서는, 서스테인이 없는 짧은소리를 내도록, 손가락이 열쇠에서 떨어져. 피아노를 배우는 책 대부분이 스터트에 대해 논하고 있는데, 그것이 무엇인지 명확하게 하는 것은 좀 놀랍습니다. 백체크는 스타 카트에 들어 있지 않으며, 소리가 난 직후에 댐퍼에서 소리가 끊깁니다. 따라서 기본 키 스트로크의 ‘보류’ 컴포넌트는 존재하지 않습니다. staccato에는 노멀(닷)과 하드(만삼 각형)의 2가지 표기가 있습니다. 어느 쪽도 잭은 해방되지 않습니다. 딱딱한 스타 카트에서 손가락은 훨씬 빨리 아래로 움직이거나 위로 움직입니다. 따라서 일반 스터트에서는 키 드롭이 반 정도 내려가지만, 하드웨어가 됩니다. 스터 카트로는 반 이하가 됩니다. 이처럼 댐퍼가 스트링으로 빨리 되돌려지기 때문에 음표의 지속 시간이 짧아집니다. 백체크가 걸리지 않아 망치는 바운스 하며 일정한 속도로 반복이 어려워집니다. 그래서 만약 급속도로 반복되는 스태컷으로 문제를 일으키면 바로 자신을 책망하지 마세요. 망치가 거꾸로 튀어 오르는 빈도는 틀릴지도 몰라요. 속도, 키의 드롭량 등을 변경하는 것으로, 문제를 해소할 수 있습니다. 일반 스터트에서는 중력에 따라 댐퍼가 현으로 빠르게 돌아옵니다. 하드 스타 카트에서 댐퍼는 실제로 댐퍼의 톱 레일에서 튀어 오르기 때문에 더 빨리 돌아옵니다. 현에 닿으면 해머 생크 플렉스가 마이너스가 되고, 해머의 유효 질량이 적어지므로 스타 카트에서 나는 음색도 매우 다양합니다. 따라서 망치, 백체크, 잭, 댐퍼의 움직임은 모두 스터 카트에서 변화합니다. 분명히 스터 커트를 잘 치려면 피아노 구조를 이해하는 데 도움이 돼. Staccato는 일반적으로 연주 방법에 따라 3종류로 나뉜다.①핑거 스타 카트 ②리스트 스타 카트 ③암 스타 카트에서 상하동과 팔의 회전을 모두 포함한다. (i) 손과 팔을 정지시킨 상태에서 주로 손가락으로 연주하며, (ii) 주로 리스트 액션으로 연주하며, (iii) 통상, 드러스트 (III.4a)로서 연주한다. (i)에서 (ii)로 갈수록 손가락 뒤로 더 질량이 더해지므로 (i) 가장 가볍고 빠른 스터 커트로, 단음이고, 부드러운 소리로, (ii)는 가장 무겁고, 볼륨이 많은 큰 음절과 화음에서도 편리하지만 (ii) 중간의 음정이 가장 느립니다. 사실 우리들 대부분은 세 가지를 모두 조합하고 있을 거예요. 손목과 실력이 느리기 때문에 빠른 스타 카트를 연주하려면 그 진폭을 그에 따라 작게 해야 합니다. 리스트스태커트사용에 눈살을 찌푸리는 교사도 있고, 대부분 암스터 커트를 좋아하지만, 세 가지 모두 선택(또는 조합) 하는 것이 좋습니다. 예를 들어, 손가락 교체가 표준적인 피로 경감 방법이지만, 다른 한쪽의 교체에 의해 피로를 경감할 수 있습니다. 스터 커트 연습을 할 때는 먼저 세가 지스타 카트(손가락, 손, 팔) 연습을 하고 나서 어떤 것을 사용할지, 어떻게 조합할지를 정 합니다. 팔의 무게는 스터트에는 사용할 수 없기 때문에 가장 참고가 되는 것은 안정된 몸매입니다. 이처럼 신체는 스타 카트에서 중요한 역할을 한다. 스터 커트의 반복 속도는 상하 움직임의 양에 의해 제어됩니다. 움직임이 작을수록 반복 속도가 빠르고 농구 드리블과 똑같습니다.

리듬은 음악 타이밍의 틀이다. 리듬에 대해 읽다 보면, 종종 타고난 재능만이 표현할 수 있는 음악의 신비로운 일면으로 보인다. 아니면 드러머처럼 평생 연습할 필요가 있을지도 모릅니다. 하지만 가장 자주, 올바른 리듬은 정확하게 헤아리는 것, 특히 시간 시그니처를 정확하게 읽는 것뿐입니다. 리듬의 지표들은 대부분 처음 한 번만 나타나는 시간 기호와 같은 것의 일부므로 악보 곳곳에 명시적으로 표기되어 있지 않아 어려움이 많이 생긴다(왈츠와 마즈의 차이 등 여기에는 그런 것들이 너무 많다). ka. 다른 예: 해피벌스데이 곡의 비트는 해피라고 생각하는 사람도 있겠지만 실제로는 탄생이다. 이 곡은 왈츠다). 많은 경우 음악은 주로 리듬이 음악의 가장 중요한 요소 중 하나가 되도록 이들 리듬의 변화를 조작함으로써 만들어진다. 즉, 음악을 제대로 읽지 않는 것이 대부분 리듬상의 어려움의 원인입니다. 이것은 음악 HT를 읽으려고 할 때 자주 일어나요. 뇌에서는 처리할 수 없는 정보가 너무 많아서, 특히 음악에 새로운 기술이 포함되어 있는 경우는 리듬에 번거롭지 않습니다. 그리고 그 첫 번째 잘못 읽기는 반복 연습에서 최종적인 음악에 들어간다. 리듬의 정의: 리듬은 타이밍과 악센트 두 파트로 구성되며, 포멀과 논리 두 가지 형식이 있습니다. 리듬을 둘러싼 수수께끼나 리듬을 정의할 때에 조우하는 곤란은, 「논리적」인 부분에서 생긴다. 이것은 열쇠가 되는 요소이며, 가장 이해하기 어려운 부분이다. 그럼 먼저 간단한 형식 리듬을 살펴보겠습니다. 심플하지만 중요성은 뒤지지 않는다. 학생이 너무 많아 음악을 인식하지 못하는 요소를 잘못 이해하고 있다. 정식 타이밍: 정식 타이밍 리듬은 타임 시그니처에 의해 주어지며 악보 첫 번째로 나타납니다. 주된 시간 시그니처는 왈츠(3/4), 공통 시간(4/4), 컷 시간(2/2, 모두 브레이브), 및 2/4입니다. 왈츠는 1 소절당 3박자(소절) 등이 있고, 1 소절당 박수는 분자로 표시된다. 4/4가 가장 일반적이며, 처음에는 'C'로 제시해야 하지만(C는 '공통'을 의미한다), 그렇지 않은 경우가 많다. 컷 시간은 같은 「C」로 나타내지지만, 중앙에 세로선(C를 반으로 자른다)이 있다. 기준 음표는 분모로 표시되기 때문에 3/4 왈츠는 바당 3 쿼터 음표를 가지며 2/4는 원칙상 2/2컷 시간의 2배속이다. 미터는 1 소절의 박수로 거의 모든 미터가 이중 또는 3중으로 구성되어 있다. 단, 특수효과(5, 7, 9박)에는 예외가 이용되고 있다. 정식적 엑센트: 시그니처는 매회 독자적인 형식 악센트가 있습니다(큰 비트 또는 부드러운 비트). ‘1이 가장 크다’, ‘2가 부드럽다’ 등과 같은 관례를 사용하면 (빈) 왈츠에는 정식 엑센트 133(유명한 oom-pha-pha)이 있고 첫 번째 비트는 악센트가 들어갑니다. 머즐 카는313또는331입니다. 공통 시간은, 정식 엑센트 1323과 컷 타임과 2/4입니다. 악센트가 열두 개다 신코 패션은 악센트가 형식 엑센트와는 다른 곳에 놓이는 리듬입니다. 예를 들어, 신코 페이션 된 4/4는 2313 또는 2331입니다. 2331 가락은 작곡 전체를 통해 고정이 되어있는데요, 1은 기존과 다른 위치에 있음을 주의해 주십시오. 논리 타이밍과 악센트: 여기가 작곡가들의 음악 주 입장입니다 포멀 한 리듬으로부터 타이밍과 라우드 네스의 변화입니다. 리드미컬한 논리는 필요 없지만 거의 항상 거기에 있다. 타이밍의 리듬 논리의 일반적인 예는, 가속입니다. (사물을 보다 흥미롭게) 아마도끝을나타낼거야. 또는 루버트 다이내믹한 리듬 논리의 예로는 라우드니스, 포르테, PP 등이 있습니다. 베토벤의 템페스트 소나타(Op.31,#2)는 형식적이고 논리적인 리듬을 보여준다. 예를 들면, 제3악장에서는 처음 삼 소절은 같은 구조의 삼박자로, 형식적인 리듬을 따르기 만한다. 하지만 바 43~46에서는 RH에는 같은 구조의 6개의 반복이 있는데, 그것들은 4개의 정식 리듬 바로 좁혀야 합니다. RH로 같은 반복을 6번 한다면, 당신은 틀렸어요! 또, 바 47에는, 형식적인 리듬과는 관계없지만, 절대적으로 불가결한 논리적인 리듬인 의외의 「sf」가 있다. 리듬이 그렇게 중요하다면 그것을 기르기 위해 어떤 지도를 할 수 있을까. 물론 리듬은 특정 공격 프로그램을 필요로 하는 별도의 연습 과목으로 다뤄야 한다. 그러기 위해서 새로운 곡을 처음 배울 때는 리듬을 따라가는 시간을 가져. 메트로놈, 특히 고도의 기능을 가진 메트로놈은, 여기서 도움이 되는 일이 있습니다. 우선 자신의 리듬이 시간 서명과 일치하는지 한 번 더 확인해야 합니다. 악곡을 연주한 후에도 이는 머릿속에서 되는 것이 아니다. 악보를 재방문해서 모든 음표를 확인할 필요가 있다. '옳은 곡이니까' 어떤 방법으로 연주하는 학생이 너무 많아요. 그럴 수는 없어. 올바른 음표가 올바른 악센트를 시간 서명에 엄밀하게 나타내고 있는지, 스코어로 확인할 필요가 있습니다. 그때서야 어떤 리듬 해석이 연주하기에 적합한지 작곡자가 기본 규칙을 위반한 부분(매우 드물)을 판단할 수 있다. 대부분의 경우 시간 서명으로 나타나는 리듬은 엄밀히 옳지만 직관적으로 반한다. 그 일례가 베토벤의 「어패션·타」의 첫머리에 있는 신비적인 「알페지오」이다(Op.57). 통상의 알페지오(CEG 등)는 엑센트(다운비트)를 가진 최초의 소리(C)부터 시작됩니다. 그러나 베토벤은 각 소절을 알페지오의 세 번째 음으로 시작한다(첫 소절은 불완전하고, ‘알페지오’의 첫 두 음 포함). 그러면 시간 서명을 제대로 밟으면 첫 번째 음이 아니라 세 번째 음(G)에 엑센트를 주게 됩니다. 바 35에서 메인 테마가 소개됐을 때 묘한 ‘알페지오’의 이유를 알 수 있다. 이 "arpeggio"는 메인 테마의 반전, 도식화(간략화)된 형식임을 주의하세요. 베토벤은 리듬만 줌으로써 정신적으로 메인 주제를 마련해 주었어요. 그래서 그는 기묘한 간격으로 그것을 올린 뒤 그것을 반복한다. 그는 우리가 비정상적인 리듬을 인식하는 것을 확인하고 싶었다(그는 교향곡 제5번 첫머리에서 같은 장치를 사용했고, 거기서 그는 낮은 피치로 4 음표의 모티브를 반복했다. 또 하나의 예는 쇼팽의 환상 즉흥곡이에요. RH의 첫 음(바 5)은 두 번째 음보다 부드러워야 합니다. 적어도 한 가지 이유가 있습니까? 이곡은 더블타임인데, RH를 4/4로 만들어서 연습해서 잘못된 음표가 강조되지 않도록 하는 게 좋을 것 같아요. HS를 시작할 때는 리듬을 잘 체크하세요. HT를 기동 하면, 한번 더 확인해 주세요. 리듬이 틀리면 음악은 보통 속도로 연주할 수 없게 된다. 따라서 속도를 내는 데 비정상적인 어려움이 있다면 리듬을 체크하는 것이 좋습니다. 사실 스피드 월의 가장 일반적인 원인은 잘못된 리듬 해석이며 HT가 문제가 되는 이유 중 하나입니다. 리드미컬한 실수를 하면 아무리 연습을 해도 스피드가 오르지 않아. 아우트라인이 유효한 이유 중 하나는 리듬을 올바르게 읽는 작업을 간략화할 수 있기 때문입니다. 따라서 아우트라인 작성 시에는 리듬에 집중하다 또한 HT를 처음 시작할 때는 리듬을 과장해서 표현하면 더 성공할 수 있을지도 모릅니다. 리듬도 너무 어려운 작품에 도전하면 안 되는 이유 중 하나죠. 충분한 기술이 없으면 리듬을 조절할 수 없어요. 기술 부족이 주법에 잘못된 리듬을 주고 스피드의 벽을 만드는 것이다. 다음으로 sf나 엑센트 마크와 같은 특별한 리듬 마크를 찾습니다. 마지막으로 음악에는 아무런 징후 없이 특별한 리듬의 변화를 주려면 무엇을 해야 하는지 녹음을 듣는 것만으로 끝납니다. 그 때문에, 연습 루틴의 일부로서 리듬이나 예기치 않은 음조의 엑센트 등을 시험해, 무슨 일이 일어나는지를 판별할 필요가 있습니다. 리듬은 스피드에도 밀접하게 관련되어 있습니다. 그렇기 때문에 대부분의 베토벤 곡들을 특정 속도 이상으로 연주해야 해. 그렇지 않으면 리듬이나 멜로디 라인에 얽힌 감정도 사라져 버린다. 베토벤은 리듬의 달인이었기 때문에 특히 리듬에 주의를 기울이지 않으면 베토벤을 잘 칠 수 없다. 그는 보통 최소 두 가지를 동시에 알려준다. i) 청중이 듣기 좋은 멜로디와 ii) 청중의 마음을 다스리는 리드미컬/하모닉 장치다. 이처럼 그의 파티크 1악장(Op.13)에서는 흥분한 LH 트레모로가 감정을 제어하면서 청중은 호기심 많은 RH를 듣고 있다. 그래서 빠른 LH 트레모로를 다루는 기술력만으로는 부족하다. 이 트레모로 감정적인 내용을 제어할 수 있을 것이다. 리듬의 개념을 이해하고 실행할 수 있다면, 전 악장의 음악적 내용을 이끌어내기가 훨씬 쉬워지고, Grave 섹션과의 명확한 대비가 밝혀져. 간단한 트릭으로 해결할 수 있는 리듬의 난이도는 1종류다. 이것은 복잡한 리듬의 반으로, 음표 가빠져있어. 이 좋은 예는 베토벤의 제2악장에 있다. 리듬을 유지하는 LH의 코드를 반복하기 때문에 2/4 박자의 시그니처는 바 17~21로 연주가 쉽다. 그러나, 바 22에서는, LH의 가장 중요한 엑센트 첨부 음표가 누락되어 있어, RH의 약간 복잡한 음표를 집어 올리는 것이 곤란하다. 이 문제를 해결하기 위해서는 단순히 LH의 누락된 음표를 작성하기만 하면 RH의 리듬을 쉽게 연습할 수 있습니다. 요컨대 리듬 좋은 비밀은 비밀이 아니다. 올바른 카운트부터 시작해야 한다(재강조해야 하지만 이는 쉽지 않다). 상급 피아니스트에게 있어서는, 물론, 그것은 훨씬 중요한 일입니다. 마술이야. 그것은 위대한 것과 평범한 것을 구별하는 것이다. 각 바의 악센트를 카운트할 뿐만 아니라 바가 어떻게 연결되고 리듬의 논리적 요소인 발전도상의 음악 아이디어를 창출할지가 중요합니다. 예를 들어, 베토벤의 달빛(Op.27)에서는 기본적으로 제3악장의 첫머리는 미친 속도로 연주되는 제1악장이다. 이 지식은 1악장 연속 삼중주가 3개의 반복 음표로 꼭짓점을 찾도록 연결되어야 한다는 것이기 때문에 제1악장 연주 방법을 알려주고 있어. 앞서 삼중주로부터 독립적으로 반복된 음을 연주했을 뿐이라면 이들 음은 모두 의미와 영향력을 잃게 된다. 리듬은 뇌가 특수하다고 인식하고 있다 기묘한 악센트나 예기치 못한 악센트 기도 하다. 분명 리듬은 음악의 중요한 요소기 때문에 특히 주의해야 한다.

톤은 사운드의 품질입니다. 사운드의 모든 특성의 합계가 음악에 적합한지를 나타냅니다. 피아니스트가 피아노 한 음표의 음색을 조절할 수 있을지에 대해서는 논란이 있다. 피아노를 향해 한 음만 연주하면 스타 카트, 레가트, 라운드, 소프트 등을 제외하고는 음색을 바꾸는 것이 거의 불가능해 보입니다. 반면 피아니스트에 따라 음색이 다른 것은 틀림없다. 2명의 피아니스트가 같은 피아노로 같은 곡을 연주하여, 음질이 전혀 다른 음악을 만들어 낼 수 있어. 이 명백한 모순의 대부분은 「톤」의 의미를 신중하게 정의함으로써 해결할 수 있습니다. 예를 들어, 피아니스트 간의 음색 차이의 대부분은 사용하는 특정 피아노와 그 피아노의 조정 방법에 기인합니다. 음표의 음조를 제어하는 것은 다면적이고 복잡한 문제 중의 한 가지 측면에 불과해요. 그래서 맨 처음에 우리가 붙여야 할 가장 중요한 구분은 하나의 음표에 대해서 이야기하느냐 아니면 일군의 음표에 대해서 이야기하느냐입니다. 대부분의 경우 다른 음색을 들으면 우리는 일군의 음색을 듣습니다. 그러면 톤의 차이를 설명하기 쉬워집니다. 음색은 대체로 음표의 상호 제어에 의해 생성된다. 이는 대부분 정확성, 컨트롤 및 음악 콘텐츠에 좌우됩니다. 따라서 음색은 주로 음표 그룹의 특성이며, 피아니스트의 음악적 감성에 좌우된다. 하지만 음표의 음색을 여러 가지 방법으로 제어할 수 있음이 분명합니다. 소프트 페달과 덤퍼 페달로 제어할 수 있습니다. 또, 큰 소리에서도 작은 소리에서도 하모닉의 내용(배음의 수)을 바꿀 수 있습니다. 소프트 페달은, 후음에 대해서 프롬프트음을 작게 하는 것에 의해서, 음색(음색)을 변경합니다. 현을 더 큰 힘으로 치면 더 많은 고조파가 생성됩니다. 그래서 조용히 연주하면 더 강한 펀더멘털이 담긴 사운드가 생겨요. 그러나 어느 정도 음량 이하로는 기본음을 들뜨게 할 에너지가 부족하고 바이올린의 플로탄드와 약간 비슷한 고주파의 주행파를 들뜨게 한다(피아 노현의 관성은 플로 탄도의 손가락처럼 작용한다). 이에 따라 PP와 FF 간에는 원리를 최대화하는 최적의 공격력이 있다. 덤퍼 페달은 맞지 않은 현으로 진동시켜 음색을 바꿀 수 있습니다. 음색이나 음색은 망치를 음성으로 울리거나 다른 튜닝으로 조절할 수 있습니다. 딱딱한 해머는 더 빛나는 음색(고조파 함량)을 생성하고 평타 면적의 해머는 더 딱딱한 음색(더 고주파 고조파)을 생성한다. 이 튜너는, 스트레치를 변경하거나 유니온 간의 데츄의 양을 제어하거나 할 수 있습니다. 어느 정도까지 스트레칭이 크면 음악이 밝아지는 경향이 있고, 스트레칭이 불충분하면 자극이 없는 소리로 피아노를 만들 수 있습니다. 교감신경의 진동 주파수 범위 내에서 데튠하면 음표의 모든 현은 완전히 조율됩니다(같은 주파수로 진동합니다). 하지만 서로 다른 상호작용을 합니다. 예를 들면, 음표는 음량이 변동하는 잔향인 '노래한다'는 식으로 할 수 있어. 2개의 스트링은 동일하지 않으므로 같은 튜닝 옵션은 존재하지 않습니다. 마지막으로 어려운 질문입니다. 하나의 메모 톤을 바꿀 수 있을까요? 다운 스트로크를 컨트롤하시겠습니까? 음조 제어에 관한 논의의 대부분은 해머가 현에 닿기 전에 자유 비행성에 관한 것입니다. (단음 조 제어) 반대자는 해머가 자유비행 중이기 때문에 속도만 중요하며 따라서 지정된 음고에서 연주되는 소리에 대해 음조를 제어할 수 없다고 주장한다. 하지만 자유비행 가정은 앞으로 보듯 증명된 적이 없다. 톤에 영향을 주는 요인 중 하나는 해머 생크의 굴곡입니다. 큰 소리로는 해머가 자유 비행 중에 발사되면 생크가 크게 휘어질 수 있습니다. 이 경우 망치는 현에 맞았을 때의 본래 질량보다 큰 유효 질량을 가질 수 있어. 왜냐하면 현에 대한 망치의 힘 F는 F=-Ma로 주어진다. M은 해머의 질량, a는 현에 대한 충격 시의 감속이다. 포지티브 플렉스는 잭이 풀려난 후 플렉스가 회복되면 해머가 앞으로 밀리기 때문에 여분의 힘이 가해집니다. F가 늘어나면 M이나 a가 늘어나도 효과는 동일합니다. 하지만 a는 M보다 측정이 어렵고(예를 들어 더 무거운 망치로 큰 M을 쉽게 시뮬레이트 할 수 있음) 그래서 여기에서는 현의 반응에 대한 큰 F의 영향을 가시화하기 쉽게 하기 위해서 유효 질량이 증가했다고 해. 그러나 실제로는 플러스 플렉스는 a를 증가시킨다. 스타 카트가 연주되는 음의 경우 해머가 현에 닿을 무렵에는 플렉스가 마이너스가 될 수 있으므로 딥 연주와 스터 커트의 음색 차이는 상당히 커진다. 이러한 실효 질량의 변화는, 확실히 배음의 분포를 바꾸어 우리가 듣는 소리에 영향을 줍니다. 생크가 100% 강성이 아니므로 유한 플렉스가 항상 존재하는 것을 알 수 있습니다. 유일한 문제는 음색에 영향을 주는 것만으로 충분한지 여부입니다. 해머 생크가 비교적 유연성이 있는 나무이기 때문이다. 만약 이것이 사실이라면 무거운 망치일수록 저음의 음색을 제어할 수 있을 것입니다. 무거운 망치일수록 휘어짐이 커지기 때문입니다. 해머가 가볍고 플렉스가 가벼울 것으로 기대할 수 있을지 모르지만, 너클이 해머 플랜지 부싱에 매우 가깝고, 매우 큰 레버리지를 만들고 있습니다. 망치는 가장 큰 소리를 내는 데 필요한 운동에너지를 모두 유지하기에 충분한 크기이므로 망치가 너무 가벼워서 구부릴 수 없다는 논의는 무효입니다. 아주 건강해요! 망치의 발사 거리는 불과 몇 밀리이고, 이 거리는 톤에 있어서 매우 중요합니다. 이런 작은 균열은 망치가 현에 닿으면 가속하도록 설계되었음을 시사합니다. 해머는 잭이 풀려난 후 자유비행 상태가 아닙니다. 해방 후 처음 몇 밀리 동안 생크 플렉스의 회복에 의해 망치가 가속하기 때문입니다. 잭을 풀어주지 못했기 때문에 망치가 현에 잠기지 않고 가속을 유지할 수 있는 최소 제어 거리입니다. 이 플렉스는 다른 네 가지 불가해한 사실을 설명하고 있어.①이러한 가벼운 망치가 현에 전달되는 엄청난 에너지 ②너무 튀는 경우의 음질 저하 (또는 제어) ③소리 출력과 음조 제어가 망치의 무게와 크기에 중대한 의존하는 것 ④피아노 마가 똑딱거리는 소리. 해머 생크 부싱이 열화 되면 kes가 됩니다(전형적인 예는 클릭 테플론 부싱입니다. 똑딱거리는 소리는 잭이 해방되고 생크 플렉스가 계승했을 때 부싱이 스냅 하는 소리입니다. 플렉스가 풀리지 않으면 부싱을 스냅 할 힘이 없습니다. 따라서 플렉스가 없으면 똑딱거리는 소리는 없습니다. 딸깍하는 소리가 적당히 부드러운 소리로도 들리기 때문에 가장 부드러운 소리 이외는 생크가 구부러집니다. 이 시나리오는 피아니스트에게도 중요한 의미를 가진다(피아노 튜너에 한정되지 않는다). 음표의 음색을 제어할 수 있다 라는 뜻입니다. 통제방법도 알려줍니다. 먼저 PPP사운드의 경우 플렉스는 무시할 수 있으며 큰 소리와는 다른 음색을 지원합니다. 피아니스트는 PP를 연주하려면 일정한 속도로 밀어야 한다는 것을 압니다 이거는 출시할 때 가속도가 없기 때문에 플렉스를 최소화하는 것에 주의하세요 피아노 치모를 연주할 때는 플렉스를 최소화하고 해머입니다. 다음으로 최대 플렉스를 얻기 위해 밑 치기는 아래쪽에서 가속합니다. 딥톤은 피아노에 기대고 부드러운 소리라도 잘 누르면 아주 이치에 맞죠. 이것이 바로 플렉스를 최대화하는 방법으로 큰 망치를 사용하는 것과 같습니다 이 정보는 피아노 기술자에게도 중요합니다. 최적의 망치 사이즈는 PP당 플렉스가 0이 될 정도로 작지만 mf당 플렉스가 유의할 정도로 큰 사이즈임을 의미합니다. 이것은 매우 교묘한 기계 배치로 비교적 작은 망치를 사용하면 신속한 반복이 가능하지만요. 그래도 현에 최대량의 에너지를 전달할 수 있습니다 반복 속도와 톤 제어를 잃기 때문에 더 큰 망치로 더 많은 소리를 낼 수 있는 것은 잘못입니다. 해머 생크 플렉스의 존재는 현재 잘 알려져 있다(‘피아노 음향에 관한 5가지 강의’). 하나의 소리만 치는 것으로, 하나의 소리의 음색의 차이를 피아노로 들을 수 있나요? 대개는 그렇지 않아요. 대부분의 사람들은 이 차이를 대부분의 피아노로 들을 정도로 민감하지 않아요. Steinway B이상의 피아노가 필요하게 되어, 이 차이가 낮은 소리로 들리게 될 수도 있습니다(점차 고품질의 피아노를 여러 대 사용해 테스트한 경우). 그러나 실제 음악이 흐르면 인간의 귀는 망치가 현에 미치는 영향에 놀랄 정도로 민감해 음색의 차이를 들을 수 있다. 이것은 튜닝과 비슷합니다. 대부분의 사람들(대부분의 피아니스트를 포함한다)은 싱글 노트나 테스트 간격에서도 슈퍼 튜닝과 통상적인 튜닝의 차이를 듣는 데 어려움을 겪을 것입니다. 그러나 실제로는 어떤 피아니스트가 좋아하는 곡을 연주함으로써 음질의 차이를 들을 수 있습니다. 이것은 스스로 증명할 수 있습니다. 터치를 제외한 같은 방법으로 쉬운 곡을 2번 연주합니다. 먼저 팔 무게로 연주하고 피아노에 깊이 밀어 넣도록 하며 키 드롭이 계속 가속되도록 합니다(기본적인 키 스트로크를 수정합니다). 키 드롭을 완전히 할 수 있도록 얕게 누르면 음악과 비교하지만 하단에 가속도는 없습니다. 첫 번째가 두 번째보다 크지 않도록 조금 더 연습할 필요가 있을지도 모릅니다. 두 번째 재생 모드에서는 음질이 떨어질 것입니다. 위대한 피아니스트의 손에 넘어가면, 이 차이는 꽤 크다. 물론 앞서 말씀드렸듯이 톤은 연속적인 음정의 연주 방법에 의해 가장 강하게 조절되기 때문에 싱글 음정의 효과를 시험하기 위해 음악을 연주하는 것은 분명 최선의 방법은 아니다. 하지만 이건 가장 예민한 시험이에요.

기본 키 스트로크다. 기본적인 키 스트로크는 모든 피아니스트가 배워야 해. 그것 없이는 다른 의미 있는 변화는 없을 것이다. 진흙 벽돌과 밀짚으로 타지마할을 만들 수는 없다. 키 스트로크는 다운 스트로크, 홀드 및 리프트 3개의 주요 컴포넌트로 구성됩니다. 이게 쉬운 일처럼 들릴 수도 있겠지만 그렇지는 않아요. 대부분의 피아노 교사들은 학생들에게 올바른 키 스트로크를 가르치는데 어려움을 겪고 있습니다. 이 어려움은 주로 키 조작 시스템이 어딘가에서 충분히 설명되지 않았기 때문에 발생합니다. 그래서 이 설명은 이 단락들의 주요 주제가 됩니다. 다운 스트로크는 제일 먼저 피아노 소리를 만들어내는 요소예요. 올바른 동작에서는, 가능한 한 빨리, 게다가 음량을 조절할 필요가 있습니다. 이 컨트롤은 중력 강하 섹션에서는 더 빠른 다운 스트로크가 일반적으로 큰 소리임을 발견했기 때문에 쉽지 않습니다. 속도는 그 음표에 정확한 타이밍을 주고, 이 속도가 없으면 음표 시작의 타이밍이 엉성해진다 그런 이야기야. 그렇기 때문에 음악이 느리든 빠르든 기본적으로 다운 스트로크는 빨라야 한다. 고속 스트로크, 볼륨 컨트롤, 그리고 곧 직면하게 될 기타 여러 요건들이 피아노를 배우는 가장 중요한 원칙인 지감 도로 이끌어집니다. 기본 키 스트로크를 마스터하려면 손가락이 많은 요건을 감지하고 실행할 수 있어야 합니다. 볼륨을 제어하려면 다운 스트로크는 2개의 파트로 구성해야 합니다. 첫 번째는 마찰/관성을 깨는 강력한 컴포넌트입니다. 키와 동작의 시작 및 원하는 볼륨에 적합한 강도를 가진 두 번째 컴포넌트다. 열쇠 밟기를 연주하겠다는 제안은 다운 스트로크가 감속돼서는 안 된다는 의미에서는 좋다. 망치를 제어할 수 없도록 통증이 아래가 되면서 가속하지 않으면 안 돼. 피아니시모 칠 때 이 두 파트의 모션은 특히 중요합니다. 충분히 조정된 콘서트 그라운드에서는 마찰이 거의 제로고 시스템의 관성도 낮다. 기타 모든 피아노(spenos의 인터 체어로 이루어져 있다)에서는 는 시스템의 많은 불균형이며, 관성을 생성합니다. 피아노가 적절하게 유성이라면 먼저 마찰과 관성을 깨고 다음으로 완충재처럼 작용하는 시모스의 부드러운 모자를 만드는 것으로 아주 부드러운 피아니시모를 연주할 수 있습니다. 필요한 퍼스트 다운 스트로크란, 손가락의 근육이 빠른 근육의 비율이 높은 것을 의미합니다(후술의 섹션 7을 참조). 이는 고속 운동 방지에 의해 오랜 시간 달성된다) 피아노 기술에는 손가락의 세기가 필요하다는 주장은 틀린 말이야. 손가락의 속도와 감성을 기를 필요가 있다. 키 스트로크 유지 컴포넌트는 백체크를 사용하여 망치를 유지하며 메모의 지속시간을 정확하게 제어하기 위해 필요합니다. 홀드가 없으면 해머가 쾅쾅 움직이며 외래음을 내며 키 문제를 일으켜 kd 키를 제어할 수 없습니다. 「피아노의 깊이를 밀어 넣기」때문에, 보류 중에 키를 누르지 말아 주세요. 키를 누르기에 중력이 충분합니다. 홀드의 길이는 색과 표현을 컨트롤하는 것으로, 어느 쪽이 음악의 중요한 부분입니다. 스트링에 덤퍼가 들어 올려져 사운드가 종료되는 원인이 됩니다. 홀드와 함께 주석 지속 시간이 결정됩니다. 다운 스트로크와 마찬가지로 노트의 지속시간을 정확하게 제어하려면 리프트가 고속이어야 합니다. 따라서 피아니스트는 다운 스트로크의 굴 신근과 마찬가지로 근육의 신장을 의식하여 실시할 필요가 있습니다. 특히 빠른 플레이를 할 때 리프트를 까맣게 잊고 칠칠치 못한 플레이를 하는 학생이 많다. 결국 스타 카트, 레가트, 오버랩하는 음표로 구성될 수 있습니다. 빠른 병행 세트는 페달로 연주하는 것처럼 울리는 경우가 있습니다. 기본 키 스트로크의 3가지 요소 모두를 정확하게 제어함으로써 피아노 특히 해머와 댐퍼의 완전한 컨트롤을 유지하고 슬로프 레이 중의 반복 플레이에 이 컨트롤이 필요합니다. 노멀 플레이에서는 앞의 음표 리프트가 다음 음표의 다운 스트로크와 일치한다. Instaccato와 legato(섹션 c)와 fastplay(7i)는 모든 섹션의 플레이를 수정하기 위해 와인을 마셨다. 지금까지 두 개의 구성요소를 연습해 보지 않은 사람은 스케일을 연주할 때 다섯 개의 손가락, C~G로 연습을 시작하고 각 손가락, HS에 구성요소를 대면돼. 손톱 운동을 한다면 손톱이야. 속도를 높여 스트로크를 올리려고 하면 1초에 1음 정도 연주하면 스트레스가 쌓일 수 있습니다. 이럴 때는 스트레스가 없어질 때까지 연습을 하세요. 홀드 컴포넌트에 대해서 기억해야 할 가장 중요한 것은 퀵다운 후 홀드 중에 바로 휴식을 취해야 한다는 것입니다. 꼭 필요한 말이에요. 그리고 서서히 극의 속도를 높여 갑니다. 지금은 빨리 놀 필요가 없어요. 좀 편한 속도로. 베토벤의 ‘달빛’ 첫 번째 악장 HS 등 느린 음악으로도 마찬가지입니다. 한 적이 없다면 지금까지 HT는 매우 어색했죠? 왜냐하면 두 손으로 많은 컴포넌트를 조정해야 되기 때문입니다. 하지만 연습을 하면 음악은 더 좋아지고 표현을 컨트롤할 수 있고, 이제는 더 음악적으로 연주할 수 있다는 느낌이 들 것이다. 메모를 틀리거나 틀리지 않도록 하세요. 메모는 모두 짝수로 해야 합니다. 모든 식 마크를 보다 정확하게 실행할 수 있습니다. 공연은 평소부터 일관되고 있고 기술의 진보도 빠르다. 기본적인 키 스트로크를 잘하지 못하면 다른 피아노나 규칙에 맞지 않는 피아노를 치면 문제가 되고 타이밍의 정확성 등 나쁜 습관이 몸에 배기 때문에 연습을 거듭할수록 음악이 나빠질 수 있다. 물론 이 한 단락에서 설명되어 있는 과정 전체가 완료되기까지 몇 주 또는 몇 달이 걸릴 수도 있습니다.

이 예를 선택한 이유는 (1) 모두가 마음에 드는 (2) 좋은 학습방법이 없으면 학습 불능으로 보이는 (3) 갑자기 튀는 상쾌감이 있는 (4) 작품의 과제는 일러스트에 이상적, (5) 평생 힘쓸 작품이기 때문이다.(e)로 「대단한 일」을 하니까, 지금 바로 시작하는 것이 좋아요! 시작하지 못하고, 첫 번째 장벽이 자신의 연주 능력을 의심하게 하는 심리적 장애를 낳기 때문에 어려운 학생 들이대 부분 의학생입니다. 이 글을 배우는 방법만큼 이 책의 효능을 증명할 수 있는 것도 없다. 하지만 이 작품은 상당히 어렵기 때문에 배우기 전에 섹션 III를 읽어야 합니다. 이 곡을 배우기 위해서는 피아노 레슨이 한 2년 있어야 해요. 간단한 작품에 대해서는, 상기의 문라이트와 론드, 또는 섹션 III.6.l의 바흐의 발명을 시험해 주세요. 시작하기 전에 반드시 열쇠를 찾으세요. G# 뒤에 Bar3의 C#로 시작되고, 작곡은 C#로 끝나며 Largo는 Db(C#! 와 같은 음표)로 시작되는데, 각각 장조입니까? 단조인가요? 이 구도처럼 샤프나 플랫이 많아 초보자를 괴롭히는 일이 많지만, 손가락의 위치가 평평한 상태(III.4b 참조)나 엄지 오버 방식(III.5 참조)을 알면 블랙키는 흰색 키보다 플레이하기 쉽다. 쇼팽은 아마도 그가 사용했을 등온대에서는 음계가 중요하지 않기 때문에 이러한 ‘멀리 떨어진’ 키를 선택했을지도 모른다(Ch. 참조). 2개 2.c. 우선 HS 연습과 멘털 플레이로 준비 작업을 재검토합니다. 따라서 양손의 정확한 동기화를 실현하기 위해 HT. 을 연습해야 됩니다. 마지막 페이지가 가장 어려울지 몰라도 처음부터 시작한다는 룰은 깨집니다. 왜냐하면 이 작품은 제대로 시작하기가 어렵지만, 한번 시작하면 자연스럽게 자리를 잡아야 하기 때문입니다. 강하고 자신감 넘치는 스타트가 필요해요. 처음 두 페이지부터 시작하죠 느린 칸타빌레 부분까지요 LH 스트레칭과 계속적인 운동은 지구력(즉 릴렉 제이 션)을 큰 문제로 한다. 충분한 경험이 없는 사람, 특히 손이 작은 사람은 만족할 때까지 몇 주 동안 LH에 임해야 할지도 모른다. 다행히 LH는 그다지 빠르지 않기 때문에 속도는 제한 요인이 아닙니다. 대부분의 학생들은 2주 만에 마지막 속도보다 빠르게 HS를 연주할 수 있어서 지치지 않고 완전히 휴식을 취할 수 있을 것입니다. RH가 최초로 착신하는 바 5의 경우 권장되는 LH 핑거링은 53124542123입니다. 먼저 5번 바, LH연습부터 시작하고 잘할 때까지 반복해서 연주하는 것부터 시작하면 좋을 것이다. 손가락이 아니라 손바닥을 펴게 되면 스트레스와 부상으로 이어지게 됩니다. 손바닥의 스트레치에 대해서는, 섹션 III.7e를 참조해 주세요. 페달을 밟지 말고 연습하세요. 작은 세그먼트(segment)로 연습합니다. 권장되는 세그먼트는 바 1-4, 5-6, 7의 전반, 7, 8, 10의 후반(5와 같은 스킵) 9), 11, 12, 13-14, 15-16, 19-20, 21-22, 30-32, 33-34, 35 두 개의 코드입니다. 두 번째 화음이 닿지 않을 경우에는 아주 빠른 상승이 끊어지는 화음으로 연주하고 상음에 중점을 두죠. 각 세그먼트를 기억하고 만족하면 한 쌍으로 연결합니다. 다음으로 처음부터 시작하고 세그먼트를 추가하여 메모리에서 LH 전체를 재생합니다. 마지막 속도까지 올리고 마음의 놀이를 확인하세요. 이 전 구간(LH만)을 2회 연속 플레이할 수 있어 편안하고 지치지 않으며 필요한 지구력이 있습니다. 이 시점에서는 마지막 속도보다 훨씬 빨리 나아가는 게 아주 즐거워. HT 작업에 대비하여 최종 속도를 약 1.5배로 합니다. 새끼손가락을 튕길 때는 손목을 살짝 올리고 엄지손가락에 가까워지면 손목을 숙입니다. 손목을 올림으로써 새끼손가락에 힘을 줄 수 있고, 손목을 낮춤으로써 엄지손가락 소리를 놓치는 것을 방지할 수 있어. 쇼팽 음악에서는 새끼손가락과 엄지손가락 소리가 가장 중요하니까이 두 손가락을 권위를 가지고 치는 연습을 하세요. 여기에서는, 섹션 III.5로 설명되고 있는 카트 휠 방식이 도움이 되는 경우가 있습니다. 만족하면 페달을 삽입하겠습니다. 기본적으로 페달을 1 바에 1번 또는 1 바에 2번 코드를 바꿀 때마다 끊어야 합니다. 페달의 움직임은 첫 번째 박자로 위아래로 빠른 (소리 끄기) 동작인데 특수효과로 인하여 먼저 페달을 올릴 수 있습니다. 바 14 후반의 넓은 LH 스트레칭(E2부터)은 쾌적하게 손이 닿으면 532124입니다. 그렇지 않은 경우는, 521214를 사용합니다. 동시에, 작업 중의 손이 조금 피로해지면 곧바로 손을 바꾸어 RH의 연습을 했어야 했다. 페달을 밟지 않는 훈련을 포함해 루틴은 LH와 거의 같다. 먼저 바 5를 2 분할하고 각각의 절반을 속도에 맞게 개별적으로 학습한 뒤 그것들을 결합합니다. 바 7의 시작 알페지오는 엄지손가락 아래에서는 재생할 수 없는 속도 때문에 엄지 오버 법을 사용한다. 이 손가락은, 손가락은 양손이 동시에 새끼손가락과 엄지손가락을 튕기는 경향이 있기 때문에 HT가 편해집니다. 그렇기에 LH 손가락을 가지고 장난치는 것은 좋지 않다. 스코어에 쓰여있듯이 손가락을 사용하는 것이다. HT를 연습해요. 첫 번째 RH가 오는 바 5의 전반 또는 후반부터 시작할 수 있습니다. 후반은 LH의 스트레칭이 작아지기 때문에 아마 더 편할 것이라고 생각합니다. RH의 (전반) 첫 음이 누락되어도 타이밍의 문제는 없으므로 후반부터 시작하세요. 3, 4 타이밍을 기억하는 가장 쉬운 방법은 처음부터 속도로 기억하는 것입니다. 음정을 느리게 해서 음정을 정하려고 하지 마세요. 음정이 너무 많으면 연주에 얼룩이 생겨서 나중에 수정하지 못할 수도 있어요. 여기에서는, 「사이클링」 방식을 사용합니다. III.2의 「사이클링」을 참조해 주세요. 먼저 LH의 여섯 음표를 멈추지 않고 반복해서 반복해. 다음으로 손을 바꿔 RH의 8개의 소리에 대해서 같은(마지막) 템포로 같은 것을 합니다. 다음으로 LH만을 여러 번 사이클 하여 RH를 참가시킵니다. 처음에는 첫째 소리 만정 확 하게 일치시키면 되니까 다른 소리 가정 확 하지 않아도 걱정하지 마세요. 몇 번 시도해 보면 HT는 꽤 잘 재생할 수 있을 것입니다. 그렇지 않으면 한 번 정지하고 다시 HS 사이클을 진행하겠습니다. 거의 모든 구성은 지금 연습한 코너 등으로 되어 있기 때문에, 기분 좋게 연습하려면 돈이 듭니다. 이것을 실현하려면 속도를 변경합니다. 아주 빨리, 그리고 천천히. 속도를 줄이면 모든 음표가 서로 어디에 맞는지 알게 될 거예요. 고속이 반드시 어려운 것은 아니고, 저속이 반드시 쉽지 않다는 것을 알 수 있을 것입니다. 3, 4의 타이밍은 쇼팽이 이 작품으로 초고속의 착각을 만들어 내는데 쓰인다 수학적 장치입니다 덧붙여 본 구성의 수학적 설명과 추가적 중요점에 대해서는, 제 III.2절의 「사이클링」에서 상술합니다. 이 훌륭한 작곡을 시도하는 것은 매우 즐거우므로, 이 곡을 처음 완성한 후 몇 년 동안 이 작곡 HS를 연습할 것입니다. 자 페달을 더해. 이때야말로 정확하게 페달을 밟는 습관을 길러야 한다. 바 5 후반에서 문제가 없으면, 전반도 같은 순서를 반복합니다. 그러고 나서 두 개의 반을 조립하세요. HS-HT 어프로치의 단점 중 하나는 사실상 모든 기술 습득이 HS에서 이루어지며 결과적으로 HT 플레이의 동기가 불충분해질 가능성이 있다는 점이다. 이제 이 글의 나머지 부분을 독학할 수 있는 툴이 거의 대부분 됐습니다. 컨터 빌리 섹션은 복잡함이 증가함에 따라 같은 일을 4회 반복하고 있습니다. 따라서 첫 번 복이 가장 쉬우니까 첫 번째 외우고, 네 번째 반복이 가장 어려우니까 외우세요. 보통 가장 어려운 부분을 먼저 배워야 하는데, 이런 경우에는 4번부터 시작하면 학생에 따라서 시간이 너무 많이 걸릴 수도 있어요. 그리고 가장 쉬운 것을 먼저 배우면 비슷하기 때문에 4번까지 배우기가 쉬워집니다. 많은 쇼팽의 작품과 마찬가지로 LH는 분석, 암기, 연주가 쉬운 구조로 되어 있기 때문에 LH를 잘 암기하는 것이 탄탄한 기초를 쌓기 위한 가장 빠른 방법입니다. 또한 쇼팽은 이 경우 LH와 본질적으로 같은 음표(코드 진행은 동일)를 사용하면서 반복마다 다른 버전의 RH를 작성하는 경우가 많기 때문에 첫 번째 반복을 외우면 이미 네 번째 반복의 대부분을 알 수 있기 때문에 이 마지막 반복을 빠르게 기억할 수 있어. 4 번째 반복의 첫 번째 바의 트릴과 23번의 타이밍이 합쳐져서 이 바의 후반은 어려워. 4회 있으므로 첫 번째 반복으로 트릴 없이 재생하고, 두 번째는 역모던트, 세 번째는 짧은 트릴, 이전은 긴 트릴로 재생할 수 있습니다. 세 번째 섹션(Presto!)은 첫 번째 섹션과 비슷하기 때문에 첫 번째 섹션을 어렵게 배우면 거의 집에 없습니다. 그러나 이번에는 초회보다 빠르다. (알레그로) 쇼팽은 두 가지 다른 속도로 연주해 주기를 바라는 것 같아요. 아마도 그는 당신이 속도를 바꾸면 전혀 다른 소리가 난다는 것을 알고 있었습니다. 왜, 어떻게 들려야 할까요. 이 스피드 변화의 물리와 심리학에 대해서는, III.2에서 설명하겠습니다. 마지막 20 소절 정도에서는 RH소절과 엄지는주요주제치의메모를끝까지 가지고 다닌다는 것에 주의해주십시오. 이 섹션은 RH와의 HS 실무를 많이 필요로 할 수도 있습니다. 풀 스피드(또는 고속)로 음악을 너무 많이 연주하면 이른바 ‘고속 재생 열화’(FPD)에 시달릴 가능성이 있습니다. 다음 날에는 더 이상 잘 연주하지 못할 수도 있고, 연습하다가도 진전이 없을 수도 있어. 이거는 HTplay에서 거의 똑같아요 HS 플레이는 FPD에 대해 면역이 있으며, 실제로 그것을 수정하기 위해 사용할 수 있어. FPD는 아마도 인간의 재생 메커니즘(손, 뇌 등)이 이러한 속도로 혼란하기 때문에 개념상 또는 기술적으로 어려운 악곡을 HT. 재생하는 등 복잡한 순서에서만 발생합니다. 간단한 부품은 FPD에 해당하지 않습니다. FPD는 바흐나 모차르트 등 복잡한 음악으로 큰 문제를 일으킬 수 있다. HT를 고속화하려는 학생들은 모든 문제에 직면해 단순히 천천히 연습하는 것이 표준적인 해결책이었습니다. 하지만 이 문제에는 좋은 해결책이 있어요. HS의 실천을! 빨리 플레이할 때마다 퇴장하기 전에 최소한 한 번은 천천히 플레이하지 않으면 일반적으로 FPD의 피해를 받는다는 것을 기억하세요. 또한 FPD는 당신의 정신적 놀이가 제대로 이루어지지 않았거나, 속도에 도달하지 않았을 가능성이 있음을 보여주고 있어.

HS 숙제를 이미 마쳤다고 가정하고 HT 부분부터 시작하겠습니다. 특히 HS 연주는 모차르트의 대부분의 음악에서 비교적 단순하기 때문입니다. 기술적인 난제와 ‘모차르트 다움을 어떻게 표현할 것인가’를 중심으로 논의한다. 세부에 이르기 전에 소나타 전체의 구조에 대해 논의해 보겠습니다 왜냐하면 마지막 섹션을 배우면 모든 것을 배우면 되기 때문입니다. 이 소나타에는 매력 없는 페이지는 한 페이지도 없습니다. 소나타라는 용어는 워낙 많은 종류의 음악에 적용되다 보니 독자적인 정의가 없이 시대별로 발전하고 변화했어. 옛날에는 단순히 음악이나 노래였다. 모차르트의 시대 이전의 소나타는 소나타, 민 누엣, 트리오, 론도 등으로 구성된 1~4부 형식의 기악곡을 가리켰다. 소나티나는 작은 소나타입니다. 소나타 알레그로도 있으며 처음에는 소나타, 교향곡, 협주곡 등의 1부로 개발되었으며 대체로 박람회, 전개, 재집 편이 수록되었다. 소나타 알레그로는 역사적으로 중요하며, 이 기본적인 구조는 서서히 대부분의 작곡에 도입되었다. 이상하게도 이 모차르트 소나타(16번, K300)의 어느 부분도 소나타 알레그로 형식(힌슨, P.552)은 아니다. 주제와 여섯 가지 변형으로 시작합니다. 베리에이션 V는 Adagio이므로 서두르지 말아야 한다. 다음에 휴식이 온다. 이는 베토벤 소나타의 중간 또는 완서 악장에 해당한다. 이 휴식은 춤의 일종인 민 누엣 트리오의 형태를 취하고 있습니다. 이 미니 엣은 3박자의 프랑스 궁중무용으로 시작되어 왈츠의 전신이 되었다. 왈츠 형식에는 머즐 카도 포함돼 있고 폴란드 무용이 기원이라 쇼팽이 많은 머즐 카를 작곡했다. 1박에 악센트가 있는 (빈) 왈츠와는 악센트가 2박 또는 3박에 악센트가 있는 점에서 다르다. 왈츠는 독일에서 독립하여 3박자를 갖춘 슬로 댄스로 시작되었고, 이제는 ‘빈 댄스’라고 불리는 인기 댄스로 발전했습니다. 콰르텟의 인기가 높아짐에 따라 트리오의 소멸은 서서히 이루어졌어. 소나타의 미누엣과 트리오 모두 3/4박자입니다. 이렇게 첫 장단은 다악 센트를 띠고 있어요. 댄스(왈츠) 형식임을 안다면, 미누엣 트리오를 올바르게 연주하기 쉬워집니다. 트리오는 미니 엣(모차르트 시대의 컨벤션)과는 전혀 다른 분위기일 것입니다. 이런 분위기는 기분전환을 상쾌하게 해 줍니다. '트리오'는 일반적으로 세 개의 음악으로 연주되는 음악을 말해. 악기: 이 트리오에는 3가지 음성이 있으며 바이올린, 비올라, 첼로에 할당할 수 있습니다. 트리오의 마지막에 있는 'Menuet to D.C.'를 잊지 마세요. 그러니까 당신은 미누엣 트리오 미니 엣을 연주해야 해요. 마지막 섹션은 론도입니다 론드는, A라고 하는 캐치한 멜로디를 살린 일반적인 구조를 가진다. 우리의 론드는 (BB') A (CC') A (BB') A'-Coda라고 하는 매우 대칭적인 구조를 가지고 있습니다. 타임 사인은 컷 타임에 떠들썩한데, BB'열쇠를 알 수 있습니까? 이 론드의 나머지 부분은 이 소나타의 형식적인 키와 마찬가지로 모두 A에 있다. 론도는 변주곡 제3번, 트리오가 변주곡 제4번과 비슷한데 소나타 전체가 단일 주제에 의한 변주곡으로 불리기도 한다. 이것은 아마 잘못된 것이다. 처음에는 5음만 단음 단위로 구성되며, 소절 1~3으로 2번 반복하고, 소절 4에서 2배의 속도로 반복하며, 소절 3의 끝에 있는 이들 반복 간의 연결어와 같은 단위를 능숙하게 사용해. 바 7과 바 8에서 다시 반속도로 반복되며 마지막 2개의 바가 엔딩이 됩니다. 바 9는 바 8과 동일하지만 마지막 소리를 올리는 대신 낮추기 때문에 이 반복 패턴의 급격한 변화는 종료를 알리는 데 용이하다. 반음 속의 단위는 처음에 두 개의 유예음을 추가로 변장하기 때문에 B전체를 스피드로 연주하면 개개의 반복 단위를 인식하지 않고 멜로디만 들을 수 있습니다. 그의 작곡 효율은 경이적입니다. 그는 세 개의 속도로 아홉 개의 소절에서 같은 유닛을 일곱 번 반복하여 그의 유명한 선율을 작곡했습니다. 실제 소나타 전체는 8~10 소절의 반복된 부분으로 구성되어 있습니다. 길이는 16 또는 32 소절인데, 이들은 기본적인 8 소절의 배수입니다. 이런 종류의 미세구조 해석의 추가적인 예는 모차르트와 베토벤의 섹션 IV.4에서 논의된다. 이런 종류의 분석은 암기와 정신 플레이에 도움이 되었고, 결국 그는 정신 플레이가 그것들을 작곡한 것이다! 기술적으로 어려운 부분은 (1) 바 25의 고속 RH 트릴, (2) 바 36~60에서 고속 RH가 달리는, 손가락이 확실한 것을 확인, (3) 바 97~104의 고속 RH 옥타브 및 (4) 바 119~125의 고속 LH 알 바티 반주입니다. 이러한 요소들을 조사하고, 어느 쪽이 당신에게 가장 어려운지를 조사해, 우선 그 요소를 연습하는 것부터 시작합시다. 소절 97~104의 옥타브 연속은 옥타브의 연속이 아닌 한 옥타브와 반음 떨어진 두 선율이 서로 따라붙는다. HT를 시작하기 전에 페달 없이 모든 HS를 연습하세요. 병렬 집합 운동은 이들 요소를 재생하는 기술을 개발하기 위한 키로, 병렬 집합 운동#1(쿼드 리피트, III.7b)은 특히 릴랙제이션을 배우는 데 있어서 가장 중요하다. 고속 트릴에 대해서는, III.3.a를 참조해 주세요. LH(바 28 등)가 찢어진 코드(Coda)는 거의 하나의 음표처럼 매우 빠르게 재생되어 RH음과 매치합니다. HT 연습은 쾌적하게 HT가 될 때까지 처음에는 페달 없이 실시해야 합니다. 모차르트 같은 음악을 어떻게 만드나요? 비밀은 없다. 지시는 항상 거기에 있었던 것이다! 음악에서 표현의 표시로 모차르트에게 각각의 표시는 정확한 의미를 지니고 있으며 시간 서명 등을 포함해 하나하나 따르면 음악은 친밀하고 복잡한 대화가 된다. 유일한 것은 자신의 표현을 삽입하고 싶은 충동을 억제하는 것입니다. 마지막 3개의 코드만큼 좋은 예는 없다. 매우 단순해서 믿기지 않을 정도입니다(모차르트의 특징입니다). 첫 번째 코드는 스타 카트고, 나머지 두 개는 레가 트입니다. 이 심플한 기기는 설득력 있는 결말을 만들어내고 다른 방식으로 재생하면 결말은 실패로 끝납니다. 따라서 몇 개의 스코어(샤머)에는 페달 마크가 부착되어 있는데, 이 마지막 세 개의 코드는 페달을 밟아서는 안 됩니다. 뛰어난 피아니스트는 페달 없이 론도 전곡을 연주하는 경향이 있다. 첫 번째 8 소절을 좀 더 자세히 살펴보겠습니다. RH: 첫 번째 네 음의 주제(바 1)는 레가에 이어 여덟 번째 음과 정확히 여덟 번째 음입니다. 유닛의 소개를 「다이제스트」하려면 , 노트와 휴식이 필요합니다. "이 구도를 반복하고, 4음의 주제를 4음절에 2배속(2 소절당 2배속)으로 반복하며, C6에서 클라이맥스가 제대로 연주되어 후속의 2개의 스태커트 노트에 연결됩니다" 이 배속은 작곡가들이 항상 사용하는 장치예요. 바 5-7에서 RH는 흥분의 수준을 유지하면서 스태커트를 칩니다. 바 8~9에 떨어져 있는 일련의 음표는 자동차 브레이크를 밟는 사람처럼 이 구간을 마무리한다. LH: 심플한 LH 반주는 단단한 골격을 제공합니다. 그것 없이는 아홉 개의 소절 전체가 젖은 국수처럼 팔딱팔딱 움직입니다. 넥타이를 잘 배치(바 2의 제1음과 제2음 사이 등)하는 것으로, 각바의 컷 타임성이 강조될 뿐만 아니라, 이 박람회에서 리드미컬한 아이디어를 이끌어낼 수 있습니다. 그것은 바 2~5에서 슬로, 슬로, 퀵, 슬로, 퀵, 슬로와 같은 폭스 트로트 춤의 스텝처럼 들립니다. 바 6~9에서 반복됩니다. 모든 음표는 6~8 소절의 스타 카트여야 되기 때문에 가락을 강조하려면 각소 절의 첫 음표에 악센트를 넣을 수밖에 없습니다. 막대 9(양손)의 양음 표는, 종지부로 해서 레거트로 조금 부드럽고, 양손은 동시에 들어 올린다. 표기가 무엇인지뿐만 아니라 왜 거기에 있는지도 알아야 하는 것은 분명합니다. 물론 이 복잡한 설명에 대해 생각할 시간은 없습니다. 음악은 그것을 주의해야 합니다. 아티스트는 단지 이러한 마킹의 효과를 느낄 뿐입니다. 정확하게 리듬을 유지하면서 레가트, 스타 카트, 넥타이, 악센트를 전략적으로 배치하는 것이 이 곡을 연주하는 열쇠입니다. 앞으로 이 작품의 나머지 부분에 대해 계속 분석을 해서 모차르트만의 음악을 재현할 수 있으면 좋겠어요. HT플레이는 전작의 문라이트보다 조금 어렵다. 왜냐하면 이 작품은 더 빠르고 더 정확도가 필요하기 때문이다. 아마도 가장 어려운 것은 RH 내의 트릴과 바 25 내의 LH와의 조정이다. 이것을 천천히 배우려고 하지 마. 바 25, 26을 하나의 연습 세그먼트로서 HS 작업이 완전히 완료되어 있는 것을 확인하고, 두 손을 스피드로 조합하기만 하면 됩니다. HT를 처음에 (또는 그에 가까운) 스피드로 결합하도록 항상 노력하고 속도를 느리게 하는 것은 마지막 수단일 뿐입니다. 왜냐하면 성공하면 많은 시간을 절약할 수 있고 나쁜 습관을 만들 수 없기 때문입니다. 상급 피아니스트는 스피드를 줄여서 손을 모을 필요가 거의 없다. 페달을 제치고 쾌적한 HT가 되면 페달을 더해 줍니다. 바 27로 시작하는 섹션은 찢어진 LH코드, RH옥타브, 페달이 합쳐진 웅장한 감각을 보이며 모차르트가 비교적 단순한 구조에서 웅장한 분위기를 자아낼 수 있다. 이 항의 마지막 음표는 특히 반복 후, 다음 섹션으로 넘어가기 전에 리듬(tenuto, bar35)에서 필요했던 것보다 조금 더 길게 누르세요. 앞에서 말씀드렸듯이 모차르트는 페달의 마크를 아무것도 쓰지 않았으니 페달을 달지 말고 HT를 연습한 뒤, 음악이 올라갈 것 같은 곳에만 페달을 붙이세요. 특히 라흐마니노프 등 난해한 소재로는 피아니스트계는 페달이 그리 많지 않다는 점을 빼어난 기술을 보여줄 것으로 보고 있습니다.

이 운동에서 가장 주목해야 할 논쟁은 페달을 밟는 거예요. 베토벤의 지시 senzasordini는 덤퍼 없음으로 번역되고 페달은 처음부터 끝까지 파고들어야 한다. 대부분의 피아니스트들은 이 지시를 따르지 않는다. 왜냐하면 현대 콘서트 그라운드에서는 사스 테인이 매우 길다(베토벤의 피아노보다도 훨씬 길다)기 때문에 이 음표가 섞이면 백그라운드의 굉음이 일어나고 기존의 피아노 교육학에서는 조잡하게 여겨진다. 물론 피아노 선생님도 학생들에게 그것을 허락하지 않을 것입니다! 하지만 베토벤은 과격파일 뿐 아니라 규칙을 어기는 걸 좋아했어요. 달빛은 콘트라스트 위에 만들어졌어. 첫 번째 악장은 슬로, 레가트, 페달, 소프트입니다. 제3악장은 정반대로 단지 아주 빨리 연주되는 제1악장의 변주이다 – 이는 3악장 2악장 위 2옥타브가 1악장에서 현저한 3음절 주제의 생략형이라는 관찰을 통해 확인된다(3악장 논의에 대해서는 섹션 III.5 참조). 이동)을 참조해 주세요. 또 불협화음과 이 1악장에 유명한 질감을 주는 명료한 하모닉 사이에는 현격한 대조가 있죠. 배경의 불협화는 페달이나 9번째 불협화음 등에 의해 만들어집니다. 이처럼 불협화음은 어두운 벨벳의 배경에 반짝반짝 빛나는 다이아몬드처럼 화음을 돋보이게 하기 위해 있습니다. 그는 과격파이기 때문에 가능한 한 조화로운 주제를 골랐습니다. 하나의 음표는 3회 반복됩니다(제5소절). 그래서 제 해석으로는 베토벤의 지시대로 페달을 곡 전체에 걸쳐 밟아야 한다고 생각해요. 대부분의 피아노에서는 연주할 수 있지만, 콘서트 그라운드에서는 연주할수록 배경 소리가 커져 PP("semprepianissimo")가 연주될 수밖에 없기 때문에 난이도가 높아집니다. 이 경우 배경을 조금 축소해도 음악의 일부이기 때문에 완전히는 자를 수 없습니다. 이것은 녹음으로는 알아들을 수 없어. 보통 배경은 올바른 페달을 밟기 위한 표준적인 규칙인 깨끗한 화음을 강조하는 것은 분명한 화음이다. 하지만 베토벤은 여기서 그 룰을 어기기로 결정했을지도 모른다. 그래서 그는 모든 동작에 페달 마크를 달지 않았다. 왜냐하면 당신이 그것을 줄 필요가 없기 때문이다. 덤퍼 페달을 끝까지 완전히 밟기로 결정했기 때문에, 이 작품을 기억하는 첫 번째 규칙은 HT를 편안하게 연주할 때까지 페달은 전혀 사용하지 않는 것입니다. 이렇게 하면 페달을 밟지 않으면 연습할 수 없는 레가트를 배울 수 있어요. 아주 조용히 연주되지만, 이 곡에서는 소프트 페달이 필요 없어. 게다가 대부분의 연습용 피아노는 소프트 페달을 밟아도 PP로 원하는 컨트롤을 할 수 있을 정도로 원활하지 않다. HS를 암기하는 것으로 시작해 바 1~5로 발음하고, 곧바로 멘털 플레이로 커미트 한다. 모든 식 마킹에 주의해 주십시오. 컷 타임인데요, 두 개의 첫 번째 소절은 인트로덕션 같고, 각각 한 개의 LH 옥타브음만 있고 나머지는 좀 더 엄밀하게 컷 타임을 통해 연주됩니다. 베토벤은 바로 바 2에서 불협화음이 이 악장의 주요 요소라고 말합니다 LH에 옥타브 B를 삽입하여 청중에게 불협화음이 울려 퍼지는 것입니다. 끝까지 세그먼트(segment)로 암기합니다. LH 옥타브를 유지할 필요가 있습니다. 예를 들어 다음과 같이 바 1의 LHC# 옥타브를 재생합니다. fingers51번인데요, 바로 4개, 그리고 3개의 손가락을 아래의 C#에 미끄러져 이 아래의 C#을 누르고 5개로 바꿉니다. 결국 바 2에 도달하기 전에 옥타브 31을 누르면 됩니다. 바 2의 B옥타브를 51로 연주하면서 3을 눌러보세요. 이렇게 해서 LH의 완전한 레거트가 다운된 상태가 됩니다. 이 절차에서는 한 개의 손가락으로 완전한 레거트를 유지할 수 없지만, 가능한 한 오래 유지할 수 있습니다. 바 3부터 바 4 로의 전이에서는, LH 옥타브가 표시될 필요가 있습니다. 이때 51에서 바 3의 F#을 연주하고 51에서 다음 G#옥타브를 연주한다. 마찬가지로 바 4~ 5자, 바 4의 두 번째 G#옥타브를 51로 재생하고 핑거 1을 누르면서 2로 바꿔 (5를 들어 올릴 필요가 있는 경우도 있습니다), 다음 바 5의 코드, 핑거 521을 재생해, 레거트를 유지할 수 있습니다. 일반적인 사고방식은 가능한 한 많은 음표를 가지고 있는 거예요. 특히 LH는 낮은 음표, RH는 높은 음표예요. 일반적으로 이들 “홀드”를 하는 방법은 여러 가지가 있기 때문에 특정 상황에서 어느 쪽이 최적인가를 시험해 볼 필요가 있습니다. 특정 홀드 순서 선택은 주로 손 크기에 따라 결정됩니다. 예를 들면, 바 1의 LH옥타브는 41 또는 31로 연주할 수 있기 때문에 손가락을 교환할 필요가 없습니다. 이것은 단순함이라는 장점이 있지만은 곡을 시작할 때 기억을 할 필요가 있다는 단점이 있습니다. 이 작품 전체를 통해, 가능한 한 레거트를 유지하기 위해서 「지치환」 법을 사용합니다. 먼저 말을 암기하고, 항상 같은 것을 사용할 때, 특정 교환 순서를 결정해야 합니다. 어쨌든, 모든 음표를 페달을 밟게 되는데, 왜 음표 레거트를 끌어안는 건가요? 첫째, 키의 조작 방법은 키를 잡는 방법에 따라 결정됩니다. 따라서 키를 가지는 것으로, 보다 일관성 있는 권위 있는 레가를 연주할 수 있습니다. 둘째, 키를 들면서 페달로 음표를 누르면 백체크가 망치를 내리고 망치가 쾅쾅 움직인다. 이 「느슨함」이 들려 - 소리의 성질이 변화한다. 또한 피아노 지휘관으로서 백체크는 항상 해머를 잡고 피아노 액션 전체를 완전히 통제할 수 있도록 하겠다. PP를 플레이할 때는 이 수준의 컨트롤이 매우 중요합니다. 망치가 펄럭 펄럭 움직이면 PP를 제어할 수 없어요. 잡는 방법의 또 다른 이유는 손이 키보드에서 떨어지지 않고 잡는 방법의 메모가 다음 메모를 찾기 위한 기준이 되기 때문에 절대적인 정확성이 있다는 것입니다. 음악 – 음악을 만드는 법 바 1은 단순한 4개의 3중주 시리즈가 아닙니다. 이것들은 논리적으로 접속할 필요가 있습니다. 따라서 각 트립트의 상위 노트와 다음 트립트의 하위 노트 사이의 접속에 주의하세요. 이 접속은 바 사이를 이동할 때 특히 중요하며 바 4 ~ 5、9 ~ 10 등과 같이 최저 음표에는 멜로디 값이 포함되어 있는 경우가 많습니다. 바 5의 RH는 최저음 E로 시작하여 3음 주제 G#까지 음악이 올라간다. 이 주제는 ‘혼자’ 연주해서는 안 되는 것이 아니라 앞의 3중주의 정점이다. 바 8의 9번째 RH에 도달하는 것이 어려운 경우는 LH에서 아래 음을 연주합니다. 바 16에서도 마찬가지입니다. 이 경우 LH의 레거트를 완전히 유지할 수는 없지만 RH의 레거트가 더 중요하고 나중에 페달을 사용하면 LH의 리프팅음이 잘 들리지 않습니다. 그러나 쉽게 도달할 수 있다면 RH만으로 9번을 플레이해봐야 합니다. 그러면 LH로 더 많은 음표를 가지고 있을 수 있으니까요. 세 음의 주제의 첫 음이 옥타브 G#인데, 위 음은 아래 음과 구별이 돼서 좀 더 견고해야 합니다. 바 32~35는 긴장이 고조되는 3연 3 중주곡입니다. 바 36~37은 연결이 되어야 합니다. 왜냐하면 바 36-37은 그 장력을 매끄럽게 풀어주기 때문입니다. 처음에는 크레센드가 있는 바 25에 대해서 PP로 시작하여 바 28에서 P까지 감소하고, 바 42에서 PP로 돌아간다. 대부분의 증감에서는 증감의 대부분은 처음이 아니라 끝 근처에 있을 것입니다. 바 48에는 예상 밖의 크레센드가 있으며, 바 49의 첫 음에서 갑자기 P로 점프한다. 이것은 베토벤이 페달에 의해서 생겨난 불협화음과 겹친 명확한 하모니를 바라고 있었음을 나타내는 가장 명확한 징조이다. 엔딩은 바 55 근처에서 시작한다. 커트 시간은 주의해서 봐주세요. 특히 바 57의 제1박자와 제3박자를 강조해주세요. 정상 종료라고 생각되는 것은, 4박째의 바 58과 3박째의 바 59의 엑센트(오)로 나타나. 바 60의 제1의 코드는 거짓의 끝이다. 대부분의 작곡가들은 이곳에서 음악을 끝냈을 것이다. 그것은 이 악장의 첫 번째 코드와 같은 코드로, 표준적인 끝의 특징이다. 그러나 베토벤은 종종 더블 엔딩을 사용하고, 그것이 진짜 엔딩을 더 파이널로 만든다. 그는 곧 비트를 주워 LH가 연주하는 3노트의 주제를 그리워하며 진정한 엔딩으로 이끌어줍니다. 모두 PP입니다. 마지막 두 개의 화음은 전체 악장에서 가장 부드러운 음이어야 합니다. 너무 많은 소리가 들어있어서 어려워요. HT재생이라면 이 움직임은 문제없습니다. 유일하게 새로운 요소는 양손을 동시에 컨트롤할 필요가 있는 레거트를 위한 음표를 가진 것입니다. 동작 전체를 외우고 HT로 만족스럽게 연주할 수 있다면 페달을 더합니다. 항상 페달을 밀기를 선택하면 바 5~9의 탑노트를 코드 진행에 의해 생기는 배경 불협화음에 중첩된 에테르 아피어 런스로 연주할 수 있다. 베토벤은 아마도 당시의 새로운 피아노 소노리티를 실증하고 그 능력을 찾기 위해 이 구조를 선택했을 것이다. 이 관찰은 조심스럽게 페달을 올려 불협화음을 완전히 제거해서는 안 된다는 생각을 지지한다.

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